«Театр служит мне не только защитой, но и порой настоящим спасением от самого себя. Он помогает укрыться от повседневности, от моих недостатков и от раздражающих моментов жизни».

Александр Баргман

В московском Доме актера 15 сентября 1955 года состоялся прием, организованный Всероссийским театральным обществом, чтобы отдать дань уважения артистам английской драматической труппы, находившимся в гастрольном туре по столице. Среди почетных гостей мероприятия были такие выдающиеся личности, как Сергей Образцов, Фаина Раневская, Пол Скофилд, Майя Плисецкая и Павел Марков. 🎭📸

Сергей Маковецкий:

"Деталь может показать уровень человека, рассказать, кто он на самом деле. Никита Сергеевич Михалков рассказал мне про одну деталь, которую он увидел на спектакле у гениального Николая Гриценко.
Николай Олимпиевич вышел на сцену, вытащил платок, но предварительно он перед спектаклем промазал его клеем. И вот достав его, Гриценко стал раздирать платок от ссохшегося клея.
И по одной этой детали, говорящей о несвежести этого предмета туалета, сразу понятен уровень «интеллигентности» этого дяди".

«Николай Гоголь однажды заметил, что театр представляет собой трибуну, с которой можно донести до общества множество добрых идей. Именно театр играет ключевую роль в формировании человеческой личности, и за это несет ответственность художник.

Театр будет существовать до тех пор, пока на планете будут обитать люди. А жизнь, в свою очередь, не знает ничего более увлекательного, чем сами люди. Уникальность театра заключается в том, что одни и те же произведения могут быть интерпретированы с различных точек зрения и под разными углами».

Евгений Миронов

Суеверный ли я? Понимаете, наше актерское ремесло, особенно если это старая школа Московского Художественного театра заключается в том, чтобы ты, играя определенную роль, полностью входил в тот мир, в котором существует твой герой. Отношение к государству, к людям, к любви, к товариществу, к предательству.

Вот, к примеру, такой артист, один из создателей Художественного театра Леонид Миронович Леонидов, играл Дмитрия Карамазова в спектакле «Братья Карамазовы». И когда из-за кулис зритель слышал, не видя, его реплику: «Узко», а в этот момент на него там надевали смирительную рубашку, в зале люди падали в обморок. Вот что такое войти в природу органики Дмитрия Карамазова. А в жизни Леонид Миронович был совсем другим человеком. А я сам суеверный. Но не в профессии.

Всеволод Шиловский

Майя Плисецкая однажды заметила:

«В искусстве не столь важно, что именно мы представляем. Главное — это способ, которым мы это делаем. Искусство должно достигать каждого сердца, вызывать эмоции — только тогда оно становится подлинным».

Она также говорила о времени и старении: «Убежать от морщин невозможно… Однако выглядеть как молодящийся старик или старушка — это, по меньшей мере, комично… Есть старый сад и новый сад. Но то, насколько он ухожен, — это уже другой вопрос. С лицом человека происходит то же самое: всегда видно, заботятся о нем или нет».

Майя признавалась: «Я никогда не испытывала любви к тренировкам и репетициям. Думаю, именно это помогло мне продлить свою карьеру на сцене: мои ноги не были измождены».

«Без всякой гордости скажу: мне нет поводов для зависти. Господь одарил меня талантами и хорошими данными, я танцевала множество балетов в Большом театре, мне, похоже, известность на международной арене. И самое главное — у меня замечательный муж, чего еще можно желать?»

С днём рождения, Борис Афанасьевич Морозов!

После завершения обучения в ГИТИСе, Борис получил приглашение от своего наставника Андрея Алексеевича Попова присоединиться к театру Российской Армии. Его первые работы уже тогда продемонстрировали уникальный подход к режиссуре.

На протяжении своей карьеры он сотрудничал с такими театрами, как Театр имени Станиславского, театр имени Пушкина и Драматический театр имени Маяковского. Однако наибольшую популярность он приобрёл в качестве главного режиссёра Театра Российской армии, на эту должность он был назначен в 1995 году. За время своей деятельности он поставил множество спектаклей, среди которых «Много шума из ничего», «Волки и овцы», «Скупой», «На дне» и многие другие.

Недавно мы обсуждали, как важно заранее знакомиться с новыми студентами Академии современного театра. Сегодня мы рады представить вам нашего преподавателя курса «Театр. Смотри, пиши, увлекай!» — Жанну Зарецкую.

Жанна Зарецкая — это не просто театральный критик, а истинный энтузиаст своего дела. Она занимает пост шеф-редактора на портале «Театръ» (прежнее название — сайт журнала «Театр.»), является основателем Петербургской театральной премии для молодых «Прорыв», а также директором Фонда поддержки Большого драматического театра «Друзья БДТ». Кроме того, Жанна состоит в российских и международных Ассоциациях театральных критиков и была удостоена Театральной премии имени В.И. Стржельчика. В течение десяти лет она возглавляла отделы «Культурная столица» и «Афиша plus» на интернет-портале «Фонтанка.ру».

Жанна активно путешествует по России, что позволяет ей быть в курсе театральной жизни в различных регионах. Она имеет многолетний опыт работы в жюри таких фестивалей, как Фестиваль театров малых городов России, «Ломоносов-фест», «Театральная весна» и многих других. Также она была членом экспертного совета «Золотой маски».

На занятиях курса «Театр. Смотри, пиши, увлекай!» Жанна часто подчеркивает, что «нет текста без контекста». Поэтому, чтобы рассказать о спектакле, режиссёре или театральном явлении, она создает особую атмосферу. Выпускники курса отмечают, что даже через экран компьютера ощущают мощную энергетику Жанны, которая вдохновляет и мотивирует их на обучение.

Если вы хотите не только научиться писать о театре, но и найти единомышленников, присоединяйтесь к четвёртому потоку базового курса!

Ангелина Степанова в роли королевы Елизаветы в спектакле Виктора Станицына «Мария Стюарт» на сцене МХАТа имени Горького, 1957 год.

Мария Голубкина:

"Моя мама провожала как-то папу и Александра Ширвиндта в Алма-Ату на гастроли. Ну а раньше артистов очень любили и везде пропускали. Вот и ей разрешили поцеловать мужа уже у трапа. Распрощались. И тут ее окликают с соседнего, военного самолета. «Лариса, вы что тут делаете?» Она: «Мужа провожала в Алма-Ату». Ей оттуда: «И мы туда же. Полетите с нами – прибудем на час раньше Миронова». И вот ничего не подозревающий папа прилетает в Казахстан, а у трапа вновь… ненаглядная супруга! Они с Ширвиндтом чуть с лестницы не упали от удивления. А мама невозмутимо: «Хорошая жена и проводит мужа, и встретит»".

Майя Плисецкая однажды сказала: «В искусстве не столь важно, что именно создается. Главное — это способ, которым это делается. Искусство должно затрагивать душу каждого зрителя, только тогда оно становится подлинным».

Она также отметила: «Избежать морщин невозможно... Однако выглядеть как молодящийся пожилой человек — это, по меньшей мере, забавно. Есть старый сад и новый сад, но их состояние — ухоженность или запущенность — играет ключевую роль. То же самое относится и к человеческому лицу: всегда заметно, ухожено оно или нет».

Майя призналась: «Тренировки и репетиции никогда не были моей страстью. Думаю, именно это помогло мне сохранить свою сценическую карьеру: мои ноги не были изнурены».

Она добавила: «Без всякой гордости скажу: мне не о чем завидовать. Господь наделил меня талантами и хорошими данными, я исполнила множество ролей в Большом театре, и, похоже, моя слава вышла за пределы страны. А главное — у меня есть замечательный муж, и чего еще мне желать?»

Художник Андрей Бондаренко:

"Я пришёл в театр Маяковского с Миндаугасом Карбаускисом из РАМТа. После спектакля Миндаугаса «Ничья длится мгновение» я случайно – как автор плаката к спектаклю – попал на встречу, на которой худрук РАМТа Алексей Владимирович Бородин рекомендовал Карбаускиса пришедшим на спектакль артистам театра Маяковского.
Через некоторое время, в мае 2011 года, состоялось назначение Карбаускиса на должность художественного руководителя театра Маяковского.

Так начались самые счастливые десять лет моей работы в театре. Мои родители видели и описывали мне все спектакли Охлопкова, я, учась в Школе-студии МХАТ, рос на спектаклях Гончарова. А потому работа по созданию «нового лица» – стиля и плакатов Маяковки – для меня была великой честью и огромной радостью.

И главное – работа с Миндаугасом. Выросший на русской литературе, живущий русским языком, он смотрит на искусство с совершенно иной, космической, общемировой точки зрения. Его взгляд всегда непредсказуем, избавлен от штампов, принципиален и абсолютно чёток. Никаких присущих русскому театру "истерик", "фиг в кармане" и "подкидных досок". Для Карбаускиса жизнь – искусство, а искусство – работа".

На фото Миндаугас Карбаускис.

Владимир Симонов делится своими размышлениями о сущности театра и кино:

1. «Театр наполняет меня ощущением жизни и придаёт ей смысл. Кино, в свою очередь, предоставляет инструменты для поддержания этого смысла».

2. «Для меня истинное мастерство заключается в том, чтобы никто не узнал меня на сцене. Если ты заявил о себе как об актёре, то должен уметь перевоплотиться и сыграть свою роль. В этом плане близка мне мысль Станиславского о том, что следует любить искусство в себе, а не себя в искусстве».

3. «Я вижу театр как ребёнка в семье. Он не может вносить свой вклад в общий бюджет, так как у него нет дохода. По сути, от детей чаще всего лишь убытки».

4. «Когда ты исполняешь какую-либо роль, ты не опираешься на свой или чужой опыт. Люди живут на протяжении миллионов лет, но у каждого есть лишь своя уникальная жизнь».

5. «Не считаю, что я реализовался в кино. У меня есть множество фильмов, но, возможно, я такой человек, что даже если завтра сыграю нечто выдающееся и получу "Оскар", всё равно останется ощущение, что самое интересное ещё впереди. В данный момент я живу с убеждением, что всё самое захватывающее — только впереди».

Олег Басилашвили считает себя счастливым человеком. «У меня прекрасная семья. Чудесная жена, такие же чудесные дочери, внуки. И к тому же я в свое время работал в лучшем театре мира — Большом драматическом театре имени Горького под руководством Георгия Александровича Товстоногова. Неповторимом театре. Мне посчастливилось работать с Эльдаром Рязановым, с Георгием Данелией, Кареном Шахназаровым, Семеном Арановичем, со множеством других достойнейших людей. И это тоже делает меня счастливым».

Один коллега по БДТ назвал Олега Басилашвили — великим, в плане актёрского мастерства. На что актёр ответил: «Товарищу спасибо, что он так сказал. Но ощущать себя великими могут только идиоты. Каждый нормальный человек таит в себе недовольство собой, и чем больше этого недовольства, тем он глубже. А тот, кто вышел на улицу и сияет от счастья, что на него наконец обратили внимание, просто дурак».

Дмитрий Кравцов и Владимир Симонов в перерыве между репетициями в театре имени Вахтангова, 1991 год

Всеволод Мейерхольд, Николай Эрдман и Владимир Маяковский в ГосТИМе, 1928 год.

Сергей Женовач делится своими мыслями о творчестве Николая Эрдмана.

«Николай Эрдман – это выдающийся драматург. Его произведения включают множество скетчей и замечательные сценарии для кино. Мы зачастую не осознаем, как в повседневной жизни используем его цитаты, например, из мультфильма “Дюймовочка”. Фраза “Поели – можно и поспать” принадлежит именно ему.

Эрдман олицетворяет всю русскую литературу. В его текстах можно встретить множество цитат и интересных парадоксов. Он был поистине талантливым и одарённым автором. Николай Робертович испытывал глубокую любовь к Слову. Его мысли полны афоризмов. Такой уникальной способностью, пожалуй, обладал только Грибоедов. Каждое его выражение – это как пословица, каждая фраза – как поговорка».

На сегодняшний день в спектаклях, поставленных режиссёром, можно увидеть две ключевые пьесы Эрдмана — «Мандат» и «Самоубийца». Эти работы успешно представлены на сцене «Студии театрального искусства».

Мария Бабанова в роли Любови Раневской в постановке Владимира Дудина «Вишнёвый сад», 1956 год.

Я убежден: театр - одна из самых экстремальных профессий на земле. Да, там не гибнут, как на Эвересте, но, признаюсь, иногда на премьере смотрю - выходит артист на сцену, и думаю: "Какой он смелый!" Ведь сначала с ним один на один - темная, звериная пустота, и вот так выйти и начать эту пустоту приручать… Это огромное напряжение. Плюс всегда можно заниматься чем-то более спокойным, потому что театр требует тебя от утра до утра. Поэтому театр - нескучное занятие. А если устал - иногда надо просто сделать паузу и посмотреть вокруг себя.

Паустовский хорошо говорил о том, что человек должен созерцать, если он не умеет созерцать, он не человек. Так что иногда надо просто отойти в сторону и посмотреть, как деревья растут, посмотреть на мир.

Лев Додин

Владимир Симонов:

"Когда я находился в девятом классе, моя мама и я отправились в Ленинград, где посетили БДТ и Пушкинский театр. После просмотра трех спектаклей я буквально «заболел театром». Это было нечто невероятное! Я осознал, что это именно то, что мне по-настоящему интересно. С тех пор я начал готовиться к поступлению в театральное учебное заведение.

Моя уверенность в правильности выбора укрепилась во время учебы в Куйбышевском институте культуры. Я много выступал на сцене и заметил, что у меня это неплохо получается. Поэтому я стремился попасть в театральное училище имени Щукина. И, как видите, мне это удалось.

Я убежден, что актер должен уметь исполнять любые роли. Это также связано с моей критикой в адрес некоторых актеров, таких как Брюс Уиллис. Когда он решает попробовать себя в новом амплуа, зрители начинают протестовать: «Нет! Мы хотим видеть Брюса Уиллиса!». Дело в том, что он не создает образы и характеры, а просто повторяет ситуации из фильма в фильм. Я, в свою очередь, выступаю против такого подхода.

Я не хочу умалять таланты этого замечательного актера, возможно, в своем привычном амплуа он действительно гениален. Но я все же сторонник трансформаций и перевоплощений. Это стремление до сих пор живет во мне: как в театре, так и в кино я хочу создать нечто, что вызовет у зрителей вопрос: «Как он это делает?». Это для меня — высшая награда и цель."

Владимир Долинский и Ольга Аросева во время спектакля «Ни сантима меньше» в постановке Александра Ширвиндта, 2005 год 🎭

Сергей Перегудов делится своими размышлениями о актёрском ремесле:

«Эта профессия учит нас преодолевать трудности с большей гибкостью, сохранять самообладание и не впадать в уныние. Актёрская деятельность всегда основывается на внутреннем каркасе, сформированном из болевых точек каждого человека. Когда в жизни всё складывается удачно, артисту не о чем разговаривать со зрителями. В более широком смысле, что-то всегда должно беспокоить — это особенность нашей работы. Кто-то более адаптивен, кто-то менее, но базис, состоящий из переживаний и страданий, должен быть частью внутреннего мира актёра — это неизбежно.

Однако это не подразумевает, что каждому следует погружаться в какие-то ужасные жизненные обстоятельства, чтобы блестяще исполнить роль. Воображение — это мощный инструмент, который можно использовать. Кроме того, в жизни каждого есть свои переживания, которые могут стать толчком для личностного роста. В нашей профессии нет ничего буквального, иначе она превратится в рутинную работу. Но ведь человек не машина. Актёры отличаются от других людей тем, что могут в нужный момент выразить свои эмоции, вытащить их на поверхность. Не просто сделать вид или продемонстрировать, а именно заставить себя прочувствовать — вот в чём заключается величайшее искусство. Это взаимодействие с самим собой на таком уровне, что в нужный момент можно показать всю глубину своих чувств и эмоций.

В театре постоянно требуется погружение и переживание, поэтому необходимо поддерживать диалог с собой. Но иногда это не хочется делать, и это может быть опасно. Например, я бы никогда не согласился играть Чикатило, даже за огромные деньги. Я просто не хочу погружаться в этот ад и искать оправдания для этого монстра внутри себя — это невозможно.

В нашей профессии главное — это взаимодействие с собой. Ты должен уметь чувствовать и слышать себя: реагируешь ли ты эмоционально, например, когда приходишь в детский дом? Есть ли у тебя душевный отклик? Если его нет — стоит задуматься о том, чтобы оставить эту профессию».

Захватывающие события на «Jaffa Fest»

28 ноября
«Профессия: Режиссёр»
Автор и ведущий — Сергей Николаевич
Театральный вечер под названием «Профессия: режиссёр» будет посвящён памяти таких выдающихся личностей, как Анатолий Эфрос, Римас Туминас и Юрий Бутусов. Это мероприятие организовано в рамках сотрудничества фестиваля Jaffa Fest и журнала «Зима». После завершения встречи состоится презентация и автограф-сессия новой книги Николаевича «Странники», в которой рассказывается о судьбах художников нового времени, которые оказались вдали от родных мест.

1 декабря
«От ангара "Гешер" до Вест-Энда»
Творческий вечер с актрисой Нетой Рот. Ведущий: Рои Хен
У вас будет уникальная возможность познакомиться с молодой звездой израильского театра и кино, которая стремительно завоевывает сердца зрителей и признание критиков. Мы расскажем о её пути от дебюта в спектакле «Кто со мной?» в «Студии Гешер» до выступления на сцене лондонского Вест-Энда, где в прошлом месяце она сыграла роль Саломеи в Королевском театре «Хеймаркет».

«Счастливо жили они долго и счастливо»
Дата показа на «Jaffa Fest»: 16 декабря

На сцене состоится премьера удивительного спектакля для всей семьи, созданного под руководством Романа Феодори. Это современная музыкально-визуальная сказка, в которой переплетаются театральные элементы, клоунада, звуковое оформление и видео мэппинг, формируя живую атмосферу чудес.

С тех пор как Золушка и Принц обрели свое счастье, прошло целое столетие. Сегодня у них знаменательный юбилей — день, наполненный приключениями, недоразумениями, любовью и теплотой. В этот особенный момент их воспоминания вновь оживут, а зрители станут частью волшебного мира этой вечной сказки.

Это трогательный, яркий и поистине волшебный спектакль о семье, о памяти и о силе человеческого сердца.

Автор текста: Олег Михайлов

В спектакле задействованы:
Алексей Гаврилов (Театр «Davai!»)
Тамар Карпов
Фёдор Макаров (Театр «Davai!»)
Маргарита Смирнова

Геннадий Тростянецкий размышляет о сущности театра:

«Театр, понимаете, это одно из самых инертных искусств, и его трансформация происходит очень медленно. Причина этого проста: наиболее динамичные виды искусства — те, где путь от идеи до реализации максимально сокращён. Например, в музыке или живописи. Как только приходит вдохновение — ты просто берёшь и создаёшь.

Между композитором и инструментом, художником и холстом стоит лишь Господь Бог. В театре же над реализацией замысла трудится целая команда: каждый из участников привносит что-то своё, и это первое. Во-вторых, театр отражает жизнь в её самых разнообразных формах: ты задаёшь образ, а актёр и вся постановочная группа добавляют свои нюансы.

Если в музыке основным выразительным средством является звук, а в скульптуре — объём, то в театре — это человек. Понимаете, театр — это про человека и его переживания. И это невероятно сложно. Люди приходят в театр, чтобы наблюдать за какой-то историей, которая косвенно затрагивает их. Музыка, к примеру, воздействует напрямую. А театр должен предложить историю, которая "потрясёт" зрителя. Это совсем не просто. Важнейшая задача не в том, чтобы найти идею. Идею "Гамлета" может понять любой образованный и умный человек. Передача идеи не является профессией режиссёра. Самое сложное — это найти ту самую игру, ту художественную форму и актёрское существование, чтобы это стало правдой».

Коммуникация занимает центральное место в ценностях «Академии современного театра». Доверительные отношения формируются не только между преподавателями и учащимися, но и среди самих студентов. Они поддерживают связь друг с другом, общаясь вне учебных занятий и участвуя в продвинутых курсах.

Жанна Зарецкая успешно реализовала три основных курса под названием «Театр. Смотри, пиши, увлекай!». Студенты, прошедшие обучение, не остались в стороне, а создали свое собственное сообщество. В настоящее время оно трансформировалось в редакцию нового театрального издания, которое только начинает свою деятельность. Авторы уже провели несколько встреч, на которых обсудили самые смелые идеи и определили, каким они хотят видеть своё издание. В скором времени они представят первый номер, и мы обязательно поделимся им с вами.

Для творческих личностей крайне важно находиться в окружении единомышленников. Именно в процессе общения мы находим вдохновение и силы для творчества. Если вы давно мечтали встретить людей, близких вам по духу, не упустите возможность присоединиться к четвёртому потоку нашей программы!

Крокодил моей души

Где: Театр Эстрады имени Аркадия Райкина
Когда: 29 ноября, 14:00 и 19:00

Чехов — это настоящее оружие, способное поразить. Его юмор убийственен, а каждое произнесенное слово словно нацелено в цель. Поэтому на спектакле «Крокодил души моей» в Театре Эстрады имени А. Райкина лучше сразу настроиться на позитив и позволить себе улыбнуться: чеховская ирония все равно захватит вас в свои сети.

Каждый театр интерпретирует Чехова по-своему, а у зрителей возникают свои ожидания. Не окажется ли это представление пропитано духом нафталина? Или, наоборот, не будет ли оно разорвано на куски в угоду современным трендам?

Уже в первые минуты первого акта вы можете оставить свои сомнения о том, что Театр Эстрады сделает с классикой… Они действительно создали нечто уникальное! Переплетая рассказы Антона Чехонте, они построили изящные мосты между девятнадцатым и двадцать первым веками, чтобы представить зрителю увлекательную и современную интерпретацию классики.

Четырнадцать актеров объединили свои усилия, чтобы создать динамичный спектакль из четырнадцати миниатюр. Чеховская наблюдательность и способность разбирать парадоксы человеческих эмоций были поданы в оригинальном театральном коктейле, включающем гротеск, бытовую драму, капустник, эксцентрику, пародию, лирическую комедию, сатиру, фарс и элементы эстрады. Смелое смешение жанров, шутки о противостоянии полов и ирония над любовными интригами — все это возможно только в юности. Режиссер А. Кладько и выпускники курса Юрия Гальцева сумели создать постановку, которая дышит современностью, сохраняя атмосферу эпохи Чехова. Рэп и дискотечные ритмы мгновенно превращаются в вальс и светские беседы. Зрители уловили намек: каждая сценка из мохнатого восемнадцатого века легко вписывается в сегодняшнюю реальность.

Эдуард Кочергин — выдающийся мастер сценографии. В 1960 году он завершил обучение в Ленинградском театральном институте имени А. Н. Островского. На протяжении многих лет занимал пост главного художника в Ленинградском театре драмы и комедии, ныне известном как Театр «На Литейном», а также в Театре имени В. Ф. Комиссаржевской. С 1972 года и по сей день он продолжает работать в качестве главного художника в БДТ.

Кочергин сотрудничал с выдающимися режиссёрами своего времени, такими как Георгий Товстоногов, Юрий Любимов, Лев Додин, Анатолий Эфрос и многими другими. Он оформил свыше двухсот спектаклей как в России, так и за её пределами. Его художественные эскизы хранятся в театральных музеях, где их могут увидеть ценители искусства.

На протяжении многих лет Эдуард Кочергин также ведёт преподавательскую деятельность в РГИСИ, где курирует мастерские на факультете сценографии и театральных технологий. Кроме того, он активно занимается литературной деятельностью, его книги становятся значимыми событиями в культурной жизни.

Сегодня мы поделимся увлекательными фактами о творческом пути Эдуарда Кочергина.

Алла Сурикова размышляет о роли женщин в режиссуре:

«Профессия режиссёра требует всего лишь немного: таланта и силы духа. Кто говорит, что женщин в этом плане меньше, чем мужчин? Есть мужчины, которые проявляют мягкость и даже женственность, и множество женщин, обладающих стойким характером и настойчивостью в достижении своих целей. В детстве мама говорила мне: «Ты будешь часто сталкиваться с обидами, у тебя слишком слабый характер». А сейчас некоторые считают, что я довольно строгая на съёмочной площадке. Я же воспринимаю себя как «мягкую и пушистую», а на деле... оказывается, не так. Конечно, иногда команде достаётся — процесс создания кино сегодня далёк от идеала. Но для актёров важно создать комфортные условия — это мой принцип. Актёр должен чувствовать себя любимым, ухоженным, ему должно быть тепло, он должен быть накормлен — но в разумных пределах, не переедать. И, конечно, никакого алкоголя — «напой» не должен содержать ни капли спиртного!»

Евгений Писарев:

"Когда я ставлю в Театре Пушкина, чувствую себя не только режиссером, но и худруком и только в редких случаях могу позвать какого-то артиста со стороны (тут я все-таки воспитываю труппу, мы как одна большая семья). А в Театре наций могу пригласить кого захочу. Вообще формат этого театра, где нет постоянной труппы, уникальный.
Театр Пушкина всегда был теплым и «человечным». Но сейчас мне кажется очень важным, что во всех пьесах, которые будут поставлены, мы говорим о прощении и гуманизме. Сейчас очень много злобы и ненависти вокруг. А людям нужны простые человеческие чувства. Добрые и глубокие, ведущие к принятию и прощению".

Тильда Суинтон накануне выступления в спектакле "Моцарт и Сальери" в театре Альмейда, 1989 год.

«Впервые я оказалась на сцене Большого театра не в роли зрителя, а как участник. Это был Гала-концерт, в котором выступали звезды балета, и я представляла Мариинский театр. Воспоминания о том времени до выступления все еще свежи — я испытывала огромный стресс, ведь сцена Большого театра действительно впечатляет своими размерами, что сначала меня немного испугало. Зрительный зал, с его величественной архитектурой и красотой, также произвел на меня сильное впечатление. Осознание значимости этого выдающегося театра наполнило меня вдохновением, что, в свою очередь, помогло мне показать свое лучшее выступление.»

Светлана Захарова

Пошлость, она, как чума — проникает всюду, в том числе и в театры. Тот же Чехов, который всю жизнь боялся пошлости, стал разменной монетой, пропуском за границу. Хочешь в гастрольную поездку на Запад — бери Чехова, собирай компанию известных артистов и осуществляй проект. Не спектакль, а именно проект. Это как с ребенком: он ещё не родился, но уже известно, в каком колледже будет учиться.

Петр Фоменко, 2007 год

Юлия Пересильд:

"Любую роль можно провалить, если не удается установить гармонию между актером и режиссером. Когда такая синергия присутствует, можно воплотить любого персонажа. Успех актера во многом зависит от взгляда режиссера — ты можешь казаться незаметной фигурой, а он увидит в тебе Медею. Чем более увлекательной оказывается эта связь, тем качественнее получается результат. Ни один из участников не должен стремиться к тому, чтобы занять центральное место.

На самом деле, мне нравится принимать предложения на роли, которые по каким-то причинам кажутся мне «неподходящими». Чем больше персонаж отличается от меня, тем интереснее преодолевать эту дистанцию. Профессия актрисы подразумевает глубокое самопознание. Если этот процесс проходит искренне, то и у зрителей возникает желание исследовать. В этом и заключается суть театра и кино — иначе это просто превращается в «хлеб и зрелища»."

Александр Янушкевич размышляет о «смерти» театральной куклы:

«Кукла перестаёт существовать, когда теряет способность к движению, а также когда её повешают на крючок в хранилище после завершения спектакля. Хотя кукольники утверждают, что она просто погружается в сон. Интересно, что в мире кукольного театра можно наблюдать, как со временем актёр стареет, в то время как кукла остаётся неизменной. В этом кроется особая магия».

Кирилл Пирогов:

"Не могу точно сказать, что означает термин 'опытный артист'. Это связано с количеством выступлений на сцене? Или же с числом часов, проведённых в репетициях? Возможно, это связано с жизненным опытом? Если говорить о времени, то, вероятно, я уже накопил некоторый опыт. Однако в остальных аспектах всё еще остаётся неясным.

Когда в нашей театральной труппе 'Мастерская Петра Фоменко' проходили репетиции с Людмилой Васильевной Максаковой, которая исполняла роль в спектакле 'Как жаль…' по произведению Маркеса, она переживала определённый этап своей работы. Несмотря на её богатый жизненный и профессиональный опыт, она испытывала волнение. В этот момент она произнесла замечательную мысль: 'В нашей профессии нет прежних заслуг.'
Эта истина актуальна для всех артистов в любое время. Особенно сейчас, когда легко можно успокоиться, имея работу, и считать это достаточным. Но расслабляться не стоит."

Фото Владимира Луповского

Прима-балерина Мариинского театра Рената Шакирова в интервью с интернет-изданием «Леди Mail» развенчала популярный миф о балете. Одно из самых распространенных заблуждений заключается в том, что это искусство связано исключительно с жесткой дисциплиной и постоянными страданиями.

«Существует множество мифов о балете, но, пожалуй, наиболее распространенное мнение заключается в том, что балет — это лишь страдания и строгая дисциплина, не оставляющая места для радости. Я хочу подчеркнуть, что балет — это, прежде всего, колоссальный труд и самодисциплина, но в его основе всегда присутствует любовь. Любовь к искусству», — отметила Шакирова.

Также артистка развеяла миф о том, что в мире балета не бывает дружбы.

Талант - это личность. Богатая, способная нервно и чувственно-интеллектуально воспринимать жизнь. Все разговоры о том, что артист может быть глупым, но талантливым, - это неправда, потому что со сцены можно транслировать только мощь собственной личности. Я работал с великими мастерами - с Иннокентием Смоктуновским, с Олегом Борисовым. И то, что мы видели с ними в кино, в театре, - это только верхушка айсберга по-настоящему мощной, глубокой личности.

Конечно, талантливая личность должна обладать рядом свойств. Она должна желать играть, но каждый человек хочет играть - театр у нас в крови. А вот быть заразительным в этой игре - это уже свойство актерского таланта. Как и любовь к работе: ленивый, но талантливый - тоже ложь.

Но главное все равно - личность. Когда мы принимаем в институт, сначала ребята читают, играют, двигаются, а потом идет целый ряд разговоров. И на этих разговорах часто представление меняется полностью: пока танцевал - был человеком, стали говорить - и ничего, пшик.

Лев Додин

Ирина Купченко и режиссер Никита Михалков во время работы над фильмом «Без свидетелей» в 1983 году.

Когда Михаил Ульянов узнал о намерении Никиты Михалкова поставить спектакль в Театре имени Вахтангова, он предложил ему ознакомиться с пьесой «Беседа без свидетеля», написанной советской автором Софьей Прокофьевой. Этот текст пришелся по душе режиссеру, и вскоре он сообщил актеру о том, что получил одобрение на создание фильма. Хотя спектакль в театре не состоялся, Михалков решил пригласить вахтанговцев Михаила Ульянова и Ирину Купченко для воплощения двух центральных персонажей в камерной драме «Без свидетелей».

22 июня 1897 года, в два часа пополудни, в московском ресторане «Славянский базар» состоялась встреча, которая впоследствии стала знаковой.

Младший участник этой встречи, описывая старшего, который приближался к своему сорокалетию, отметил:

«…он уже был известным драматургом, и некоторые считали его возможным преемником Островского. Судя по его выступлениям на репетициях, он был прирождённым актёром, который лишь случайно не выбрал эту профессию… [Кроме того, он] возглавлял школу Московского филармонического общества. Многие молодые русские артисты прошли через его обучение, выступая на императорских, частных и провинциальных сценах».

Старший, в свою очередь, оставил свой портрет младшего, которому на тот момент исполнилось 34 года:

«На театральной арене [он] был человеком совершенно новым. И даже необычным… Любителем, то есть не состоявшим ни в одной театральной труппе, не связанным с театром ни как актёр, ни как режиссёр. Он ещё не сделал театр своей профессией…»

В тот летний день два человека провели в разговоре целых 18 часов. Их целью было создать театр — свободный, независимый, художественный, который бы противостоял официальной сцене. Старшим был Владимир Иванович Немирович-Данченко, а младшим — Константин Сергеевич Алексеев, известный как Станиславский.

Спустя год они открыли Московский Художественный общедоступный театр, который впоследствии стал символом новой эпохи в мировом сценическом искусстве — эры театра, управляемого режиссёром.

Галина Зальцман делится своими размышлениями о работе режиссёра:

«Я никогда не считала себя строгим режиссёром, скорее, я обладаю мягким, но внимательным подходом. Тем не менее, я всегда стремлюсь к достижению своих целей. Артисты для меня — это ключевые фигуры в театре, и я испытываю огромную любовь к их искусству. Импровизация актёров — это то, что меня вдохновляет, ведь они способны предложить гораздо больше, чем можно было бы ожидать снаружи. Каждый актёрский вклад для меня — это как дар, с которым можно работать, изменять и развивать. Когда инициатива исходит от артистов, это приносит мне радость, и я всегда стараюсь это поддерживать».

«Недоверие может возникать, особенно со стороны более опытных артистов. Однако сейчас, благодаря накопленному опыту, таких случаев стало меньше. Я прихожу к людям, и даже если они не видели моих работ, они уже слышали о моём опыте. Теперь мне не нужно доказывать, что я разбираюсь в своём деле и имею право на творчество».

Татьяна Догилева:

"К сожалению, мне довелось поработать с Андреем Мироновым лишь в одном фильме — «Блондинка за углом». Он был потрясающим партнером. У него не было ни одного провала — зрители его просто обожали.
Кроме того, у него была целая армия поклонниц, которые следовали за ним как на гастролях, так и на съемках. Когда он их замечал, его лицо становилось ярко-красным, а он начинал трястись от этой «пылающей любви». Эти фанатки приходили на каждое его выступление, и Андрей не мог сдержать возмущения: «Как они умудряются достать билеты?». В те времена попасть в Театр сатиры было настоящим испытанием. Однажды, когда я играла в спектакле в «Ленкоме», мне сообщили, что у служебного входа меня ждет группа молодых людей. Я вышла и спросила: «Ребята, кто вы и с какой целью здесь?» Они ответили: «Тань, мы пришли по рекомендации Миронова… Сначала мы зашли в Театр сатиры, но он нас увидел и закричал: «Почему вы все сюда идете? Идите к Догилевой!»."

10 ноября в Глинищевском переулке пройдет церемония открытия мемориальной доски, посвященной народной артистке Российской Федерации Екатерине Еланской и народному артисту Советского Союза, профессору Виктору Коршунову.

Фото: пресс-служба театра

За границей я всегда любил приглашать на спектакли случайных людей, без билета. Например, таксиста, который меня подвез, официанта, который обслуживал столик. Сначала реакция всегда одна и та же: "Ой, я в театр не хожу", но как только узнают, что бесплатно, - разговор сразу меняется. И потом мы со многими подружились, кто-то ждал меня у выхода, чтобы поделиться впечатлениями…

Мы недооцениваем, какое значение имеет наша работа. Я уверен, что государство недооценивает значение театра - прежде всего как вочеловечивающего инструмента. В театре человек чувствует себя личностью - для него играют спектакль. И в то же время обнаруживает, что он не одинок - с ним вместе одни и те же эмоции переживают герои на сцене, люди в зрительном зале.

Один молодой шофер посмотрел нашего "Дядю Ваню". Мы ехали обратно, и я стал его расспрашивать - что он думает об увиденном? Отвечает: "Я не знаю, как объяснить". Но я его пытал-пытал, и тогда он сказал: "В спектакле каждый персонаж рассказывает о себе, и эта исповедь - все то же, что испытываю я, только я стесняюсь об этом говорить, а оказывается - об этом даже пьесы пишут! Я почувствовал себя не таким одиноким".

Лев Додин

Иво Ван Хове впервые заинтересовался театром в возрасте 11 лет, и это увлечение дало свои результаты — сегодня он считается одним из самых выдающихся и оригинальных режиссёров Европы. Его работы представляют собой глубокие анализы общественных явлений. К примеру, спектакль «Римские трагедии», основанный на трёх пьесах Шекспира, стал размышлением о современных политических манипуляциях и особенностях медийного пространства.

«Я верю, что актёры не должны просто копировать реальность — переодеваться, приклеивать бороды и так далее. Для меня важно, чтобы они в своих ролях находили что-то личное и привносили это в представление.

По моему мнению, искусство не является отражением действительности — это задача газет и телевидения. Люди ожидают от искусства чего-то иного.

Я разделяю мнение Гарольда Пинтера, который, получая Нобелевскую премию, отметил, что театр должен открывать возможность заглянуть за зеркало реальности», — утверждает Иво Ван Хове.

Евгения Симонова:

"Я всю свою жизнь упорно сражалась с образом лирической героини, даже когда училась в училище, я пыталась это преодолеть. Помню, однажды у нас состоялся студенческий показ, где мы сами выбирали отрывок для исполнения. Моим партнером был Стас Жданько, который, к сожалению, рано ушёл из жизни.

Мы остановили свой выбор на произведении малоизвестного писателя начала XX века, Гаршина. Это был жуткий рассказ, в котором я играла проститутку. Я старалась изобразить её как можно лучше, и даже наш ректор, Борис Захава — талантливый артист, который когда-то исполнил роль Кутузова в фильме Сергея Бондарчука, долго терпел мои попытки передать образ падшей женщины с её характерными манерами и жестами. Однако вскоре он не выдержал и воскликнул: «Женя, я больше не могу! Занавес!».

Когда занавес закрылся, я провела полтора часа в аудитории, плача. Позже ко мне подошёл Борис Евгеньевич и сказал: «Мне было тяжело это наблюдать. Я понимаю, что ты пытаешься исследовать разные образы, но постарайся делать это более плавно!»".

В Москве была создана Комиссия, занимающаяся вопросами зрительской этики.

Союз Деятелей Культуры столицы совместно с Директорской ложей театров города инициировали формирование этой комиссии. Основная цель её работы заключается в оценке уровня комфорта для зрителей в театрах.

Члены комиссии планируют регулярно проводить инспекции в театральных учреждениях, чтобы оценить состояние чистоты помещений, качество обслуживания в гардеробах и буфетах, удобство кресел, а также соответствие звукового и светового оформления. На основании проведённых проверок будут выработаны рекомендации по улучшению сервиса в театрах Москвы.

Председателем новой Комиссии по зрительской этике назначена Анна Шапошникова. В её состав вошли такие специалисты, как Владимир Агафонов, Наталья Забелина, Светлана Кириллова, Нина Кузнецова и другие профессионалы.

Первое заседание комиссии состоялось 15 октября, на котором было решено до конца месяца провести проверки в таких театрах, как «Ленком Марка Захарова», Театр сатиры, «Современник», Театр на Юго-Западе и Театр на Трубной.

Ирина Сяткина, журнал Театрал

Фото: Вероника Якимова

«Довольно давно, во второй половине 90-х я относительно спокойно простился с мыслью об актёрстве. Единственным, что меня связывало с этим искусством, была работа ведущим, в частности, я участвовал в различных проектах "Квартета И", плюс были какие-то несущественные роли в кино и сериалах. Может, их наберётся штук 5 за весь тот период. И вдруг, спустя практически 20 лет, в 2014 году поступило неожиданное приглашение от Кирилла Серебренникова, с которым мы даже не были хорошо знакомы. Сначала я к этому отнёсся как к системной ошибке, сбою, думал отказаться. Позже, когда уже начали репетировать, мне постоянно казалось, что сейчас появится Валдис Пельш и объявит, что это все программа "Розыгрыш".

Мне повезло вернуться как-то легко и органично. Ведь я же перестал думать о том, чтобы быть артистом, ибо это не сочеталось с моим принципом делать то, что нравится. Ты можешь всю жизнь быть актёром и редко когда заниматься тем, что тебе действительно интересно. А тут я попал в единственно возможный для себя на тот момент театр, к единственно возможному для меня в то время режиссёру. Это был настоящий вызов, challenge, как сейчас говорят мои дети. Я понимал, что если получится, то появятся основания для того, чтобы и дальше думать об этом».

Алексей Агранович

«Театру нужны свободные зрители. Людей, которые умеют свободно мыслить, единицы. Их всегда были и всегда будут единицы. А театр — поле свободного мышления и свободного чувства»

Данила Корогодский